Museo Maillol. HIPER REALISMO

Esta exposición del Museo Maillol, que se encuentra justo aquí, ya ha viajado mucho. Entre otros, se ha expuesto en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, España, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México, la Galería Nacional de Canberra, Australia y el Kunsthal de Róterdam, siempre con considerable éxito. 

¡En Róterdam, por ejemplo, atrajo a casi 220.000 visitantes en menos de cuatro meses! Luego, de noviembre de 2019 a agosto de 2020, le tocó a Lieja acogerlo, en el magnífico escenario de su Musée de La Boverie, y luego a Bruselas, de junio a diciembre de 2021.

Sería difícil imaginar un lugar parisino más apropiado para albergar esta exposición que el Musée Maillol, que lleva el nombre y la memoria de uno de los más grandes escultores contemporáneos, y maestro de la representación de la forma femenina.

Según Olivier Lorquin, presidente del Museo Maillol:

"Fue en Bruselas, en Tour & Taxis, un sitio histórico notable en sí mismo, que lo visité por invitación de mis amigos de la agencia Tempora/Musée de l'Europe. Fue un shock. No estaba familiarizado con la escultura hiperrealista, por supuesto, pero la forma en que se presentó aquí le dio, me pareció, un impacto y una relevancia sin precedentes. La gama de sentimientos que estas obras transmiten e inducen, la profunda humanidad que de ellas se desprende, la deslumbrante técnica de los artistas, la forma en que el contexto general refleja la obsesión por el cuerpo que exhibe nuestra época, todo ello contribuyó a hacer de esta visita una experiencia artística, intelectual e histórica única. Ya había decidido, sobre la base de los catálogos de las ediciones anteriores, unir fuerzas con Tempora y su socio alemán IKA, (Instituto para el Intercambio Cultural) para organizar la edición de Lyon en La Sucrière, de febrero de 2022 a julio de 2022, y luego para acogerlo en París, en el Musée Maillol, el siguiente septiembre. Lo que vi en Bruselas solo reforzó mi decisión."

Historia de la escultura

Al principio, había estatuas antiguas. Mientras que ciertas estatuas griegas y, sobre todo, romanas representan a veces el rostro humano con un realismo sorprendente, la estatuaria antigua ofrece generalmente una imitación idealizada de la naturaleza, el cuerpo perfecto. Protágoras, un filósofo del siglo V, resumió en una frase la concepción griega del ser humano y su lugar en el universo: el hombre, escribió en su tratado Sobre la verdad, es la medida de todo elegido. Además, los dioses y los héroes son sólo humanos, inmortalidad además, y el cuerpo de Discóbolo de Mirón (primera mitad del siglo V a. C.) es tan perfecto como el de Hércules de Lisipo de Sicione (siglo IV a. C.).

Muy diferente es la estatuaria medieval. De hecho, el arte medieval es en gran parte indiferente a la representación de la realidad, si no a las formas que la reflejan. Sobre todo religioso y sujeto a la doble coacción del marco mental cristiano y del marco material de la arquitectura sacra (catedral románica, catedral gótica), el artista medieval esculpe ideas. Su Jesús es un ser incorpóreo, su Virgen un icono, sus santos ideas de santidad

Al mismo tiempo que la concepción griega de la centralidad del hombre, el Renacimiento redescubrió los cánones estéticos de la antigüedad grecorromana. El artista, escribe Giorgio Vasari en su famosa Vida de los mejores pintores, escultores y arquitectos (1550), depende de la naturaleza”, a la que se esfuerza por “copiar o imitar. Sin embargo, al igual que sus modelos griegos, el escultor renacentista (Brunelleschi, Miguel Ángel, Donatello), no se limitó a “copiar” la naturaleza; lo sublima. Por tanto, vuelve a conectar con el cuerpo, que ya no es el miserable producto del pecado original, sino el reflejo glorioso del amor divino. Este cuerpo estará a menudo desnudo y siempre perfecto. Su Jesús en la cruz será un atleta, su Virgen una mujer hermosa, su San Jorge un glorioso caballero, su San Sebastián un joven musculoso y de formas perfectas.

No se trata aquí de repasar los estilos y escuelas que, del barroco al modernismo, pasando por el clasicismo, el neoclasicismo o incluso el romanticismo, se suceden desde el siglo XVI hasta el XX. Baste decir que la estatuaria moderna rompe bruscamente con el canon clásico, que de una forma u otra informa toda la tradición occidental.  Todo el arte moderno da así la espalda a una tradición artística de dos mil años, y el escultor se convierte en un creador de formas que a menudo ya no tienen nada que ver con la realidad “externa” de la naturaleza. Situar a Le Baiser de Rodin (todavía considerado el padre de la estatuaria moderna) junto a la de Brâncuşi da una idea de la ruptura del arte moderno con la tradición occidental. Y el Busto de mujer de Picasso no tiene mucho en común con los cánones de la estatuaria clásica, como tampoco lo tienen las mujeres sentadas o reclinadas de Henry Moore.

Pero ahora, los estilos y las escuelas se suceden, cada uno destronando al anterior, a veces superponiéndose, nunca imponiéndose definitivamente. Es que el arte es quizás la única actividad humana que ignora el progreso.

Y así fue como, en los años sesenta del siglo pasado, apareció la estatuaria hiperrealista. Por supuesto, como toda corriente artística, el hiperrealismo no cayó del cielo. Si buscamos antecedentes de la misma, podemos incluso remontarnos al David de Miguel Ángel, quizás la primera escultura hiperrealista moderna, cuyo criterio

El cuerpo

Pocas características de nuestro tiempo son más representativas de él que nuestra relación con el cuerpo, que su obsesiva ubicuidad. Cuerpo glorioso, perfecto e inaccesible que se despliega, omnipresente, sobre todos los soportes publicitarios que la era hiperconectada ofrece a nuestra imaginación; cuerpo eternamente joven que rechaza el envejecimiento, incluso la muerte misma, hasta los locos sueños del transhumanismo; pero también, por el contrario, el cuerpo encubierto en nombre de supuestas prohibiciones religiosas... Sí, más que nunca en la historia de las sociedades humanas, la nuestra está obsesionada con el cuerpo.

El artista hiperrealista ofrece algo para alimentar esta obsesión. Y lo hace buscando lograr una representación fiel de la naturaleza, minuciosa hasta el punto de que el espectador a veces se pregunta si se trata del propio cuerpo vivo. La ilusión de la realidad es perfecta, y la obra así creada es a veces divertida, a veces inquietante, incluso angustiosa, pero siempre una figura decididamente contemporánea.

Con una rica selección de obras y una selección de artistas ampliamente representativa, Ceci n'est pas un corps da cuenta de la evolución de la figura humana en la escultura de este movimiento, desde la década de 1970 hasta la actualidad. La selección destaca varias cuestiones clave para abordar la representación del realismo figurativo con el fin de resaltar cómo nuestra visión del cuerpo ha evolucionado continuamente.

La ilusión de la realidad, como decíamos... El título de la exposición, obviamente tomado de Magritte y su famosa pipa, no es más inocente que el suyo. ¿Qué es el arte, parece preguntar el pintor al espectador de su lienzo? Por minuciosos, por perfectamente modelados que estén en la realidad los contornos y la textura de su objeto, ¿qué es su transposición al lienzo sino la ilusión de esta realidad? Después de todo, no puedes llenar y fumar esta pipa, un simple reflejo de la realidad, tanto como los cuerpos hiperrealistas de nuestros escultores. De hecho, es nuestra relación con el cuerpo, con el arte, con la representación del cuerpo en el arte, con los vínculos ambiguos entre el arte y la realidad, lo que cuestiona esta fascinante exposición.

A lo largo de su recorrido, nos asaltan toda una gama de emociones humanas: la compasión y la ternura, la emoción erótica y el sentimiento de horror, la fascinación y el desasosiego... Surgen mitos, felices como el de Pigmalión y su Galatea, ambiguos como el de Pinocho, trágicos como el Golem de Praga o Frankenstein, y siempre fascinantes ya que se trata, perdónenme un poco, de crear vida reemplazando al Creador.

Ceci n'est pas un corps es el resultado de una asociación de larga data entre la agencia belga Tempora y su prima alemana IKA de Tübingen (quienes ya han creado conjuntamente una gran exposición sobre las relaciones centenarias entre Europa y el Islam, exitosamente presentada en varias ciudades europeas), se sumó para estas dos últimas ediciones en Lyon y París, el Museo Maillol. Una asociación amistosa y eficaz, que tiene un futuro brillante por delante.